Привет, дорогие мои!

Хочу рассказать вам об одной интересной лекции, которую я посетила в Мультимедиа Арт Музее. Журнал «Теория моды: одежда, тело, культура» с недавнего времени представляет лекторий, который посвящен взаимосвязям моды и искусства. Лекцию "Фарфоровое платье с подставкой для сапог: wearable art и одежда как предмет искусства» читала очаровательная Линор Горалик!

А вот и главная иллюстрация лекции - фарфоровое платье.

Ли Сяофэн (Li Xiaofeng) создал уникальное платье из осколков фарфоровой посуды династий Мин, Сонг, Юань и Цин.

Итак, о чем эта лекция? Нууу, о моде, конечно) И об искусстве. Точнее о философии одежды, о восприятии ее и той неуловимой грани, где заканчивается одежда и начинается предмет искусства.

По себе знаете какие сложные взаимоотношения у человека с одеждой. Возможно, кому-то это покажется странным, но процесс одевания очень тонкий и сложный творческий акт, состоящий из множества взаимосвязей.

Человек всегда одет. Он может умирать от голода, но на нем неизменно будет одежда.
Лично для меня, эта тема очень интересна надеюсь и вас заинтересует. Если нет, смело закрывайте пост, я не обижусь;)

Сразу извиняюсь за качество фотографий, они были сделаны с проектора.

Где проходит грань между искусно сделанным предметом одежды и одеждой, представляющей собой предмет искусства, — если, конечно, эта грань вообще существует?

Почему крапотливовыполненное полотно Климта это шедевр, а платье тончайшей ювелирной вышивки - всего лишь образец высокого ремесла?!

Густав Климт "Сельский сад с распятием" 1911-12 г. Холст, масло. 110 x 110 см.

Отсюда проблема восприятия дизайнера одежды как художника. Люди имеют специфические ожидания по поводу одежды или объекта, имеющего форму одежды и выражают общепонятные нормы эстетики.

Когда одежда теряет свою функциональность - это уже не одежда, но искусство ли?!

Есть даже такое направление Носимое искусство или арт-а-порте (англ.Wearable art, фр. Art-a-porter) — это один из видов декоративно-прикладного искусства, направленное на создание предмета одежды или аксессуара, отличающегося художественной значимостью. Другими словами, помимо эстетической составляющей, произведение «носимого искусства» должно рассматриваться как серьезная и уникальная художественная работа.

При создании предмета арт-а-порте художник использует самые разнообразные материалы (кожа, пластик, металл, ткань, бумага, живые растения и т. д.), придавая им нужную форму и цвет.

Какие концепции предлагают зрителю художники, работающие в жанре wearable art (носимое искусство), и почему созданные ими объекты зачастую воспринимаются зрителем и обществом настороженно, если не агрессивно? И, наконец, что wearable art позволяет нам переосмыслить в наших отношениях с собственным телом и собственной одеждой?

Иногда ремесло одежды поднимается до уровня искусства.

В конце 19 века существовало некое Движение искусств и ремёсел (Arts & Crafts) — английское художественное движение викторианской эпохи, участники которого занимались ручной выработкой предметов декоративно-прикладного искусства, стремясь к сближению искусства и ремесла. Движение, во главе которого стоял поэт, художник и мыслитель Уильям Моррис, строилось на идеализации самобытного творчества ремесленников средневековья, которое противопоставлялось бездушному, обезличенному машинному производству времён.

Это примерное содержание всей лекции.

Далее я публикую ряд иллюстраций и краткие комментарии к ним.